Podstawy twórczości filmowej: Używanie blokady do poruszania się scenami

• 5 września 2020

Dowiedz się, jak prawidłowo blokować aktorów i działania w swoich scenach, czego nauczyli się niektórzy z Twoich ulubionych znanych filmowców.

Oglądając niesamowite kino, od razu zauważysz wiele aspektów i często zapamiętasz je na zawsze - wspaniałe linie dialogowe, zapierające dech w piersiach sekwencje akcji i piękne zdjęcia. Jednak jednym z elementów filmu, który często jest ignorowany, ale nadal jest niezwykle ważny, jest blokowanie.

Korzystając z lekcji niektórych wielkich reżyserów kina, takich jak Alfred Hitchcock, Martin Scorsese czy Akira Kurosawa, przyjrzyjmy się podstawom, które zagłębiają się w to, jak właściwie blokować swoje sceny.

Podstawy Blokowania Sceny

Zanim przejdziemy do nauki od mistrzów, omówmy kilka podstaw blokowania scen. Jak widać na powyższym filmie, w The Film Look, blokowanie scen obejmuje wszystko, co ma związek z rozmieszczeniem i ruchem pomiędzy postaciami, rekwizytami i kamerą(ami) dla każdego ujęcia i sceny. Jeśli nie kręcisz filmu dokumentalnego lub pewnego rodzaju improwizowanej akcji, większość scen filmowych jest ściśle kontrolowana, blokowana i poddawana próbom, tak aby każdy ruch i akcja były rozliczane.

Podzielmy niektóre z tych podstaw blokowania. Pierwszym aspektem, który każdy filmowiec lub reżyser powinien wziąć pod uwagę, są aktorzy. Gdzie oni są na planie? Co oni robią? I, jakie ruchy będą wykonywać? Można by pomyśleć, że można je łatwo zdefiniować, ale kiedy już naprawdę zacznie się badać te elementy, mogą one stać się dość rozległe i zniuansowane. Aby naprawdę zdefiniować swoje blokowanie, należy rozważyć każdy ruch - od przechodzenia przez pokój, podnoszenia książki, po podświadome kręcenie się włosów.

Aby pomóc w choreografii blokowania, w produkcjach filmowych i wideo często stosuje się wykresy blokowe, które różnią się od precyzyjnych i dokładnych replik scenografii lub przestrzeni scenograficznych z ruchomymi markerami, do zgrubnych wykresów lub diagramów, które można zapisywać w locie. W zależności od stylu produkcji, pomocny jest przynajmniej pewien rodzaj podręcznika, który pomoże reżyserowi komunikować się z aktorami, gdzie w danym momencie powinni się oni znajdować.

Wreszcie, najważniejszą częścią każdej sceny jest kamera. Pod wieloma względami to właśnie kamera - która reprezentuje Twoją publiczność i POV - jest główną postacią w Twojej scenie. Podczas pracy nad blokowaniem sceny należy wziąć pod uwagę położenie kamery, jej kadrowanie oraz wszelkie (lub wszystkie) ruchy, które można zastosować, od prostych patelni po skomplikowane ujęcia śledzące.

Alfred Hitchcock: Podstawy oświetlenia Pierwszym przykładem jest uczenie się od jednego z największych reżyserów wszechczasów: Alfreda Hitchcocka. Znany jako mistrz suspensu, Hitchcock jest wczesnym przykładem na to, jak krytyczne jest blokowanie jako jedno z głównych narzędzi w tworzeniu filmów. Na przykładzie jego klasycznego filmu Vertigo, ten imponujący video-esej Nerdwriter1 pokazuje, jak nawet najbardziej uproszczone sceny mogą nam tak wiele powiedzieć o blokowaniu.

Ten przykład z filmu Vertigo, w szczególności, jest aleją do zbadania światła jako integralnej części blokady filmowej. W przypadku Hitchcocka, klasyczne hollywoodzkie oświetlenie scenografii high-key zostało użyte jako sposób na zapewnienie, że każdy aktor jest wyraźnie oświetlony i jest w stanie przekazać jak najwięcej informacji ze swoich przedstawień. Jednakże, jeśli przyjrzeć się uważnie, oświetlenie planu odzwierciedla główny element jego opowieści, który jest badany w bloku - duże okno ze stocznią.

Wykorzystanie okna jako domniemanego głównego źródła światła nadaje zestawowi dodatkową dynamikę, którą Hitchcock bada w całej scenie. Pracując z oświetleniem na planach, będziesz chciał określić nie tylko skąd ma pochodzić światło, ale także jak i gdzie będziesz używał świateł, aby ożywić swoją scenę. Te pozycje oświetlenia mogą być tak samo ważne dla blokowania, jak pozycje postaci lub ruchy kamery.

Martin Scorsese: The Power of Rehearsing

Oglądając ten esej wideo, wyprodukowany przez StudioBinder, ceniony mistrz Martin Scorsese pokazuje, jak używać blokady we współczesnym kinie. Biorąc za przykład tylko jedną krytyczną scenę z "Wilka z Wall Street", Scorsese stosuje wiele z tych samych podstawowych zasad blokowania filmów, ale z nowymi i innowacyjnymi technikami.

Ta scena Scorsese jest być może najlepszym przykładem zastosowania innej zasady blokowania filmów - próby. Jak każda wielka sztuka sceniczna czy performance, próby są tak naprawdę jedynym sposobem na wypracowanie trudnych ruchów i stworzenie gładkiego, gotowego produktu. W tej scenie Wolf of Wall Street można zobaczyć, jak precyzyjna jest każda akcja. Od blokowania postaci, które muszą być idealnie dopasowane czasowo do wizualnych kajdanek, przez koordynację w podpowiedziach dla oczu, którą Scorsese wykorzystuje do kierowania uwagi widzów, po pracę z kamerą POV, która wymaga eksperckiego operatora steadicamu i zespołu wsparcia, aby śledzić wstecz podczas filmowania naszego bohatera chodzącego i mówiącego.

W przypadku tej sekwencji, dzięki tej fabule wideo możemy zajrzeć za kulisy znacznie głębiej. Można naprawdę zobaczyć, jak wiele planowania i koordynacji idzie w tych sekwencjach, jak również profesjonalizm i dbałość o te przejścia i próby, ponieważ Scorsese pracuje na bieżąco, aby wyprostować każdy element blokady.

Akira Kurosawa: Regulacja i optymalizacja

Blokowanie nie zawsze musi być nowoczesne i błyskotliwe. Cofnięcie się w czasie do twórczości japońskiej reżyserki Akiry Kurosawy jest doskonałym sposobem na zbadanie znaczenia - i niuansów - tego, w jaki sposób blokowanie może być wykorzystywane do uzyskania efektów emocjonalnych i psychologicznych. W tym video-eseju z CineFix otrzymujemy bardzo przemyślane rozbicie jednej sceny z filmu Kurosawy Wysoko i nisko (film, który właściwie ukazał się pięć lat przed zawrotem głowy Hitchcocka).

W "Wysokim i niskim" Kurosawa wyraźnie pokazuje siłę blokowania jako sposób na badanie relacji i dynamiki władzy między postaciami. Wszystko, od poziomów w kadrze, po kompozycyjną przestrzeń pomiędzy pierwszym planem, środkiem i tłem oraz subtelne elementy w mowie ciała, powinno być brane pod uwagę przy konstruowaniu sceny.

Warto również wspomnieć o tym, jak wiele optymalizacji i dostosowań idzie w takich scenach, aby uzyskać te ostateczne ramy perfekcji. Kurosawa jest mistrzem ze względu na swoją umiejętność dopasowywania i majsterkowania przy wszystkich elementach swojego filmu - ale przede wszystkim blokowania i inscenizacji. Naprawdę można to dostrzec w scenach wysokich i niskich, ponieważ aktorzy i kadrowanie mają taką kontrolę nad swoimi miejscami i ruchami.

Pracując nad własnymi projektami, dobrze jest poświęcić czas pomiędzy kolejnymi ujęciami i kompozycjami, upewniając się, że wszystko jest na właściwym miejscu. Twoi aktorzy i operatorzy kamer są ludźmi, więc nie będą za każdym razem robić tych samych ujęć perfekcyjnie, ale w tych niewielkich wariacjach możesz pracować nad optymalizacją tych niedoskonałości i dostosowywać się do nich tak, aby wprowadzić najlepsze ruchy i ożywić je.

Fotografowanie Blokady z Kubrickiem, Spielbergiem i Iñárritu

To właśnie wtedy, gdy w końcu zestawisz wszystkie elementy blokady filmowej, prawdziwi mistrzowie są w stanie naprawdę ożywić swoje filmy. W powyższym eseju wideo przedstawiamy kilka ważnych spojrzeń na to, w jaki sposób reżyserzy, tacy jak Steven Spielberg, Stanley Kubrick i Alejandro González Iñárritu, są w stanie wykorzystać blokadę filmową i inscenizację kamery w swojej twórczości filmowej.

W przypadku Spielberga, opierając się na przykładach z Minority Report, po raz kolejny widzimy, jak ważna jest blokada i język ciała dla dodania do filmu dialogu i fabuły. W przypadku Kubricka przypominamy, jak wiele podtekstów można zaciąć w każdej klatce, jeśli chodzi o rozmieszczenie postaci, scenografię i rekwizyty w filmie A Clockwork Orange. A w filmie Iñárritu's Birdman widzimy, jak "nowsze" pokolenie dodaje więcej ruchu, głębi i chaosu do scen.

Lubię kończyć ten teledysk, ponieważ robi on tak fantastyczną robotę, że zagłębia się w filmowe aspekty blokowania. Można schematyzować, planować i ćwiczyć wszystko, co się chce, ale kiedy jest się już na planie i faktycznie filmuje te pierwsze sceny, to z pewnością wymaga to połączenia wszystkich odrębnych elementów blokowania.

Kiedy w końcu nakręcisz swoje sceny z dokładnie zdefiniowanym blokowaniem w akcji, pomocne jest traktowanie każdego ujęcia i sceny jako własnego mini filmu. Aktorzy są gotowi do pracy w swoich pozycjach wyjściowych, masz ustawione światła i ustawione w kolejce do wszelkich regulacji, a aparat jest ćwiczony i gotowy do ruchu. Po wywołaniu akcji, naprawdę tylko odtwarzasz zablokowaną i zmapowaną sztukę sceniczną - teraz Twoim zadaniem jest nakręcenie jej w najlepszy możliwy sposób.